cuaderno 2

La“Poesía pentagramatta” (1923) de Francesco Cangiulloes son partituras como soporte de creación visual. El sonido adquiere un carácter plástico que se materializa, en este caso en un partitura.
Para él la tipografía era el código individual sobre el que manufacturar la página. Prestando atención a la letra y a la composición, creó tipos dibujados de diferentes
tamaños y colores, reflejan y trasladan los estados de
ánimo y el dinamismo de las ciudades italianas, otorgando presencia al sonido, creando una novedad en obra artística de hidridación y plurisensorialidad contemporánea. La hibridación resultante sugiere la posibilidad de igualar conceptualmente el sentido de la vista (el sentido dominante por muchos siglos en el arte) con el sentido del oído.
“Poesia pentagramatta” reúne una serie de poemas que
pretendían eliminar las diferencias entre las artes a
partir de la tipografía “la simultaneidad gráfica de la
Poesía y de su Música natural, añadiendo una extensión
de terreno virgen al campo poético” en donde las
letras caligrafiadas actúan como notas musicales.

El sonido, siendo invisible, no deja de ser un fenómeno físico, y como tal, los futuristas intentarán manifestarlo matéricamente. Las onomatopeyas, los entonaruidos serán una nueva realidad creada a partir de los elementos abstractos de la naturaleza.

Ejercicio sonoro: la lluvia de la ventana del lunes al mediodía

Clark: MODERNISMO, POSMODERNISMO Y VAPOR
Dos obras para comprarar con el tema valor, la obra de Oursler "la maquina de la influencia" y Le chemin de fer de Manet. Evidentemente, el vapor es el gran tema de esta pintura: cómo se relacionan las personas con el vapor. No hace falta demasiada perspicacia para entender que el vapor en Manet es una metáfora de la inestabilidad general, de aquello que en la modernidad cambia continuamente de forma. El vapor en Le chemin de fer es también una figuración de lo cambiante y lo impalpable mezclándose con la textura de la vida. El vapor es una metáfora de la apariencia, y las apariencias deben ser aquí entendidas como transitorias y, por algún motivo, completamente circunspectas. El vapor es la superficie en que se está convirtiendo la vida. Vapor y apariencias: tal es sin duda el tropo dominante de Manet. Pero no se trata de apariencias que cancelan la profundidad y dejan de lado por completo la interioridad.
Tal vez también pueda pensarse el vapor como una metáfora de la libertad de la imaginación. Pero entonces volvemos a mirar esas rejas implacables que dividen y dominan el rectángulo, que empujan todo hacia la superficie del cuadro y las superficies se organizan con demasiada facilidad; es ése el problema de la movilidad
y el anonimato modernos. En la contracara de la nueva libertad (evanescencia) urbana, siempre aparecen el congelamiento y la constricción. El modernismo como una forma de arte en profunda sincronía con ciertos hechos y posibilidades de la vida moderna.
El modernismo siempre estuvo peligrosamente próximo a la esfera de las apariencias de las que se alimentaba. Sin dudas el cuadro de Manet da cuenta de eso.
Podemos relacionar este proceso con el termino “Petrificado”, el mundo de la imagen no parece estar convirtiendo en piedra sus objetos, ni tampoco a sus usuarios y espectadores, sino más bien en agua o vapor o pura especialidad, pura virtualidad.
El modernismo fue un enfoque de la modernidad. Estaba interesado en imágenes y acontecimientos de la vida moderna, por lo menos en parte, pero también, más intensamente, en los modos de representación modernos, en su estructura profunda de producción simbólica y reproducción.

En común: Lo que distingue al arte contemporáneo del de momentos anteriores es sólo el hecho de que la originalidad de una obra de nuestro tiempo no se establece de acuerdo a su propia forma, sino a través de su inclusión en un determinado contexto, en una determinada instalación, por medio de su inscripción topológica.
Poder representar el presente
La instalación es una forma de arte que incluye todas las demás formas de arte.
Ambos autores hacen entender que el arte contemporáneo, "inconscientemente" usa de otros momentos artísticos anteriores.

Boris: La Topología Del Arte Contemporáneo
El arte contemporáneo de nuestros días más bien demuestra cómo lo contemporáneo se expone a sí mismo (el acto de presentar el presente).
Walter Benjamin introdujo el concepto de “aura” para describir la diferencia entre el original y la copia bajo las condiciones de una perfecta reproductividad técnica. En nuestra época la obra de arte deja su contexto original y comienza a circular anónimamente en las redes de reproducción y distribución de las comunicaciones de masas. Enfocarse en la emergencia del aura podría conducir a una mejor comprensión no ya del destino del original, sino también del destino de la copia en nuestra cultura. De hecho, el aura, sólo adquiere su ser gracias a la moderna técnica de la reproducción. Es decir, el aura emerge en el preciso momento en el que está declinando. Surge precisamente por las mismas razones por las que desaparece. En efecto, en su texto Benjamin parte de la posibilidad de una perfecta reproducción que no permitiría ya una diferencia “material” visualmente reconocible entre el original y la copia. Uno no sólo es capaz de producir una copia a partir de un original por una técnica de sino que uno también puede producir un original a partir de reproducción, una copia a través de una técnica de relocalización topológica de esa copia, o sea, por medio de la técnica de la instalación, que extrae una copia del presunto espacio abierto y sin marcas de la circulación anónima y lo ubica temporalmente en un contexto fijo, estable y cerrado de un “aquí y ahora” topológicamente bien definido (hace falta ir para poder verlo) en el espacio mismo. Esto quiere decir que todos los objetos dispuestos en una instalación son originales, incluso cuando circulen como copias fuera de la instalación.
El arte contemporáneo es una producción de obras de arte individuales que una manifestación de una decisión individual de incluir o excluir cosas e imágenes que circulan anónimamente en nuestro mundo, para darles un nuevo contexto o para negárselos: una selección privada que es al mismo tiempo públicamente accesible y de ahí hecha manifiesta, explícita, presente. Incluso si una instalación consistiera en una pintura individual, es todavía una instalación, ya que el aspecto crucial de la pintura como una obra de arte no es el hecho de que haya sido producida por un artista, sino el de haber sido seleccionada por un artista y presentada como algo escogido.
La instalación revela precisamente la materialidad de la civilización en la que vivimos, porque instala todo aquello que nuestra civilización simplemente hace circular.